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Produzido de forma sustentável e socialmente responsável, o álcool vegetal orgânico vem da cana-de-açúcar colhida sem queimadas e cultivada sem o uso de agrotóxicos e adubos químicos.

Ouça o áudio e saiba mais sobre o álcool vegetal orgânico com Alessandro Mendes, gerente de Desenvolvimento de Produtos da Natura.

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Victor Hugo Toro regente
Osesp
Gravada em dezembro de 2007 na Sala São Paulo.

Foto: Elder Buck

Em seu livro inacabado intitulado O Banquete, publicado postumamente em 1978, Mário de Andrade dissecava a situação da música brasileira. O banquete realizava-se na residência de uma dama da sociedade paulista, durante a década de 1940. Um dos convidados era o proeminente compositor Janjão, o qual, dentre outras frases lapidares, afirmava o seguinte: “A música brasileira atravessa um período de descoberta e exploração. Desde 1918 que a música brasileira me preocupa. Data daquela época o meu Tango-batuque, de forma embrionária ainda cheia de influências alheias e de realização deficiente.”

Sem sombra de dúvida, o Janjão deste encontro culinário-filosófico é o compositor carioca Luciano Gallet (1893-1931). Falecido precocemente, Gallet deixou uma obra significativa que só agora está sendo redescoberta, graças, entre outros, à iniciativa da Osesp em editar e executar suas peças para orquestra e música de câmara. Mário de Andrade foi durante muitos anos o mentor musical de Luciano Gallet. A relação que se estabeleceu entre ambos tornou possível a realização de um projeto estético na música brasileira, talvez o mais significativo que tivemos. As idéias nacionalistas de Mário de Andrade ressoaram amplamente na obra de Gallet e orientaram também sua postura social e pedagógica: Gallet foi um dos fundadores da Associação Brasileira de Música e diretor do Instituto Nacional de Música.

Em 1918, ao compor o Tango-batuque, Luciano Gallet ainda não havia se lançado ao projeto nacionalista. Diferentes influências estéticas conviviam lado a lado nesta sua obra inicial, heterogênea tanto no uso de materiais quanto na organização dos processos formais. O Tango-batuque apresenta elementos harmônicos e coloridos típicos do impressionismo francês e da música ibérica. Por outro lado, despontam aqui os germes da estética nacionalista, que seria sistematizada posteriormente, sob a tutela de Mário de Andrade. Por exemplo: a escrita para percussão (caixa, chocalhos, prato e bumbo), a rítmica e a melodia sincopada que remete à música dos salões cariocas do início do século XX. Obra breve, o Tango-batuque é a primeira incursão de um jovem compositor de 25 anos no mundo sinfônico. Evocando novamente O Banquete de Mário de Andrade, podemos dizer que a obra é um aperitivo, deixando transparecer a originalidade do pensamento musical deste importantíssimo compositor brasileiro.

Paulo C. Chagas é compositor e professor de composição na Universidade da Califórnia, Riverside (EUA). Em 2004, a Osesp estreou a sua obra Radiância.

Naomi Munakata regente
Coro da Osesp
Gravada em janeiro de 2001.

Foto: Alexandre Felix

Xangô é um canto-fetiche de macumba escrito em 1919, com texto de autor desconhecido. É uma das Canções Típicas Brasileiras de Villa-Lobos e integra o segundo volume de Canto Orfeônico, coletânea de marchas, canções folclóricas e hinos, publicada em 1950 e destinada à educação musical e à formação cívico-moral. A primeira execução desta obra foi em 1930, em Paris, sob regência de Villa-Lobos.

John Neschling regente
Coro da Osesp
Gravada em setembro de 2001 na Sala São Paulo.

Foto: Alexandre Felix

Os fragorosos aplausos com que o público do Teatro Alla Scala de Milão consagrou, a 9 de março de 1842, o Coro dos Escravos Hebreus durante a estreia da ópera Nabucco asseguraram a seu autor, Giuseppe Verdi (1813-1901), um lugar definitivo no panteão dos grandes compositores italianos. Com muitas liberdades históricas, o argumento de Nabucco fala dos judeus arrastados em cativeiro para a Babilônia sob o jugo de Nabucodonosor. Quando o coro lançou os primeiros acordes daquela melodia tão simples quanto sublime, cantando as palavras Va pensiero sull’ali dorate (Vai pensamento, sobre asas douradas), uma espécie de fagulha espiritual percorreu a plateia.

A Itália atravessava um momento histórico crucial. Não existia ainda como nação, era fragmentada em vários estados. A Lombardia, região da qual Milão era a capital, encontrava-se sob a férrea dominação do Império Austríaco. O anseio popular pela libertação, que logo mais se refletiria nas árduas batalhas do risorgimento, o movimento pela unificação italiana, era forte e genuíno. O público que lotava a sala do velho teatro naquela noite mágica identificou imediatamente os sofrimentos dos judeus, cuja pátria fora invadida e dominada pelos babilônios, com a humilhação que os milaneses eram obrigados a padecer sob os austríacos. A partir desta metáfora, Va Pensiero tornou-se o símbolo musical do risorgimento e é, ainda hoje, o hino da liberdade de todos os povos.

Trecho inicial do ensaio A Presença Judaica na Ópera, publicado no livro Contos de Óperas e Cantos, de Sergio Casoy (Editora ALGOL, 2009), gentilmente cedido pelo autor.

John Neschling regente
Osesp
Gravada no concerto ao ar livre de Fortaleza, durante a Turnê Brasil 2008.

Wagner começou a conceber Os Mestres Cantores de Nürnberg em 1845, como um apêndice cômico a Tannhäuser. A inspiração era o teatro grego, no qual uma peça satírica seguia-se a uma tragédia. E foi no verão do mesmo ano, em Marienbad, logo depois de terminar a composição de Tannhäuser, que o compositor começou a esboçar o libreto dos Mestres Cantores. Contudo, a música só o ocupou 16 anos mais tarde: em 1861, em uma viagem de trem entre Veneza e Viena, Wagner iniciou a composição do Prelúdio da ópera em três atos, que só viria a estrear em 1868, em Munique.

Ambientada em Nürnberg, em meados do século XVI, a ópera narra a luta do jovem cavaleiro Walther von Stolzing para ganhar a mão de Eva, sua amada, em um concurso de canto, com o apoio do sapateiro Hans Sachs e a oposição de Sixtus Beckmesser, personagem que representa o apego às regras estéticas do passado e que é empregado pelo compositor para satirizar o principal crítico musical antiwagneriano do século XIX, Eduard Hanslick.

Se em sua ópera anterior, Tristão e Isolda, Wagner havia levado o cromatismo ao extremo, tensionando os limites do sistema tonal, aqui acontece o oposto: Barry Millington descreve o prelúdio dos Mestres Cantores como “um monumento à permanência do sistema tonal diatônico”, pois “suas insistentes assertivas da tonalidade de Dó maior são uma poderosa reafirmação das virtudes do sistema tonal clássico”. Reunindo os principais temas da ópera, o prelúdio começa com uma melodia que celebra a dignidade dos Mestres Cantores, e conclui de maneira grandiloqüente e jubilosa, festejando a vitória dos novos ideais estéticos personificados por Stolzing (e nos quais Wagner obviamente projetava seu próprio ‘vanguardismo’) sobre o conservadorismo de Beckmesser/Hanslick.

Irineu Franco Perpetuo é jornalista, colaborador do jornal Folha de S.Paulo, correspondente no Brasil da revista Ópera Actual (Barcelona).

Arcádio Minczuk oboé
Israel Silas Muniz oboé
Sérgio Burgani clarinete
Daniel Rosas clarinete
José Arion Liñarez fagote
Francisco Formiga fagote
Dante Yenque trompa
Luciano Pereira do Amaral trompa
Gravada em março de 2006 na Sala São Paulo.

foto: André Conti

A serenata tomou forma no século XVI, como uma canção interpretada por um amante à janela de sua amada; evoluiu, na Salzburg do século XVIII, para uma forma de música ao ar livre, reunindo instrumentos que poderiam ser tocados enquanto se caminhava. Leopold, o pai de Mozart, e Michael, irmão de Joseph Haydn, foram alguns dos compositores que escreveram muitas serenatas em Salzburg. Mozart mesmo, quando se mudou para Viena em 1781, adaptou várias de suas serenatas —que apresentavam cinco e até mais movimentos de danças entremeados com movimentos convencionais como allegro e adagio—, transformando-as em sinfonias.

Esta Serenata KV 375 para instrumentos de sopro surgiu como sexteto em outubro de 1781, com pares de clarinetes, fagotes e trompas; e em julho do ano seguinte como octeto, com o acréscimo de dois oboés. Só que desta vez Mozart levou o gênero a sério, como confessa numa carta ao pai: “Já estava tirando a roupa para deitar quando fui surpreendido com um grupo de músicos em minha janela tocando uma de minhas serenatas. Como ela foi escrita para mostrar à senhora Van Strack como são as minhas composições, eu a escrevi com intenção um pouco mais séria”. Ele não a chamou de Nachtmusik, ou música noturna, em 1781, mas quando acrescentou os oboés usou a expressão.

É no allegro maestoso inicial que Mozart aplica-se em evidenciar seus talentos musicais. Desde o primeiro acorde sobressaem ousadias harmônicas, muitas dissonâncias e estranhas modulações —tudo para impressionar a senhora Van Strack. O minueto, em seguida, é convencional, mas o trio na tonalidade menor exibe estranhas dissonâncias nas trompas. O adagio esbanja belas melodias, enquanto o segundo minueto privilegia notas agudas no oboé e no clarinete. E o allegro final brinca com a seriedade, mas deixa triunfar o clima informal que deve mesmo presidir uma serenata.

Jorge Coli é professor na área de História da Arte e da Cultura da Unicamp — Universidade Estadual de Campinas.

John Neschling regente
Osesp
Gravada em setembro de 2001 na Sala São Paulo.

Verdi preferia curtos prelúdios, ou a entrada direta na ação, às longas aberturas. Mas deixou duas páginas orquestrais muito vívidas, sempre presentes nos programas de concerto sinfônicos: as aberturas de Forza del Destino e de I Vespri siciliani. Como regra, elas incorporam temas expressivos que surgirão no decorrer da ópera. A abertura de I Vespri siciliani (1855) é uma composição orquestral inteiramente concebida no jogo de contrastes muito caro a Verdi, destinado a atirar o ouvinte em situações emocionais que se alternam entre o repouso, a agitação, a paz, a angústia.

Jorge Coli é professor na área de História da Arte e da Cultura da Unicamp — Universidade Estadual de Campinas.

John Neschling regente
Osesp
Gravada em novembro de 2006 na Sala São Paulo.

Foto: Ana Fuccia

Fauré possui hoje a mesma reputação que granjeou em vida: de um discreto gênio musical, capaz de colocar em movimento uma silenciosa revolução que conduziria os músicos franceses à conquista da identidade. Fauré esteve entre os primeiros a valorizar a tradição poética simbolista, que se fixava em seus anos de juventude, e a dar a ela uma feição sonora condizente; lançou seus ouvidos às harmonias wagnerianas, mas passou-as por um filtro que lhes neutralizavam o pathos e o excesso. Associou-as aos materiais arcaizantes da música antiga religiosa, que se tornariam parte das alternativas experimentais e neoclássicas da composição musical do século XX, e acrescentou à sua linguagem, em primeira mão, estranhezas atonais como a escala de tons inteiros, entre outras. Finalmente, ele deixa que tudo transpareça sutilmente sob a moldura de um dos mais elegantes meios de condução melódica de que se tem notícia na história musical. Estes ingredientes deram margem a derivações que marcaram o repertório erudito de forma mais contundente, sobretudo a música de seu amigo e discípulo Maurice Ravel.

A vida de Fauré foi marcada por uma intensa atividade profissional cerceadora de suas habilidades composicionais em projetos de grande envergadura. Sua obra destaca-se, sobretudo, no domínio da canção e do repertório pianístico. A suíte de Pelléas et Melisande, Op.80 é, portanto, uma de suas poucas composições sinfônicas. Foi escrita em 1898, como música incidental para a primeira representação da peça teatral de Maeterlink em versão inglesa, re-orquestrada posteriormente e reduzida a quatro quadros em que se nota a ambigüidade de um estilo que transita entre o passado e o moderno.

Os dois movimentos externos, prélude e molto adagio, são cenas impregnadas pelo espírito romântico. Monotemáticas, invertem a ordem da expressão afetiva. O primeiro movimento anuncia a atmosfera singela do idílio amoroso, conduzida progressivamente ao universo da tragédia; o segundo apresenta uma marcha moderada de expressão fúnebre, para, apenas em seu final, relembrar aquele singelo ponto de partida do drama teatral.

Os movimentos centrais são leves e característicos. No andantino quasi allegretto, Fauré faz fluir uma simples melodia apresentada pelas madeiras sobre os giros virtuosísticos das cordas. Apesar da brevidade, esta cena parece ter feito a primeira platéia se esquecer da representação teatral e se desmanchar em aplausos. Na sicilienne, a delicada melodia transita por uma notável variedade de timbres e é acolhida por um jogo sutil de luminosas distorções harmônicas. Ela busca inspiração na suíte barroca: um recurso neoclássico fartamente utilizado pelos compositores que o sucederam na França.

Fauré cria música de cena nos limites da ambientação de uma representação teatral, um hábito praticamente banido das apresentações atuais. Qualquer indício de complexidade pareceria deslocado e de mau gosto no corpo de um espetáculo totalmente definido por seus aspectos dramáticos. Mas o texto de Maeterlink serviu ainda de inspiração para outras obras do gênero: um ambicioso poema sinfônico de Schoenberg e uma obra mais extensa, a ópera homônima de Debussy, estreada quatro anos depois da suíte de Fauré.

Marcos Branda Lacerda é musicólogo e professor do Departamento de Música da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo.

Naomi Munakata regente
Coro da Osesp
Gravada em novembro de 2006 na Sala São Paulo.

Naomi Munakata e o Coro da Osesp (Foto: Ana Fuccia)

O Prêmio de Roma (Prix de Rome), que existe até hoje na França, é uma instituição de grande prestígio para os artistas. No passado, depois de um concurso muito severo, jovens estudantes em artes recebiam uma bolsa para passar longo tempo hospedados e estudando na Villa Medicis, Academia da França em Roma. Era a consagração de um talento excepcional. Na música, Berlioz e Debussy o obtiveram. Em 1913, o concurso era vencido pela primeira vez por mulher: a compositora Lili Boulanger. Ela nascera numa família de músicos. Tinha uma irmã, Nádia, que se tornaria a mais célebre professora de composição, direção de orquestra e de piano do século XX e que formou, entre outros, Leonard Bernstein, Aaron Copland, Philip Glass, Dinu Lipatti, Astor Piazzolla e o grande brasileiro Almeida Prado. Lili, porém, não fora feita para ensinar.

Como Mozart, ela nascera com a música dentro de si. É Nádia quem conta: “Desde sua mais tenra infância, a música a habita. Canta com dois anos e meio de idade; com seis, passa os dias a decifrar partituras. Fauré vem freqüentemente fazer com que ela leia suas melodias e se maravilha com o dom da criança.” Mas Lili Boulanger tem a saúde muito frágil, adoece com freqüência. Morre em 1918, com 24 anos de idade. A obra que deixou é de uma espantosa maturidade. Sua fragilidade e a consciência da morte que se aproximava levaram-na a uma criação carregada de espiritualidade. Sua irmã evoca: “Ela sabe que de agora em diante seu tempo está contado. Trabalha, trabalha sem descanso, esperando terminar obras começadas… Está plenamente serena, sem revolta, mas não sem melancolia; tem ainda tanto a dizer…” Os temas que a inspiraram são freqüentemente místicos e ela é fascinada pela poesia da voz humana. Voltou-se para a Bíblia e compôs sobre o texto de vários Salmos, dentre os quais o de número 24, escrito em 1916.

Jorge Coli é professor na área de História da Arte e da Cultura da Unicamp — Universidade Estadual de Campinas.

John Neschling regente
Gravada no concerto ao ar livre de Fortaleza, durante a Turnê Brasil 2008.

Foto: Elder Buck

Um dos 25 filhos do regente da banda de Campinas – interior de São Paulo -, Antonio Carlos Gomes (Campinas, 11 de julho de 1839 – Belém, 16 de setembro de 1896) começou os estudos muito cedo, estreando, aos 18, sua primeira missa. Contra a vontade do pai, partiu para o Conservatório Imperial no Rio de Janeiro e, aos 21, fundou a Ópera Nacional, onde dirigiu a orquestra e estreou A Noite no Castelo. Tomou contato mais íntimo com a obra de Verdi, Rossini, Donizetti e Wagner, e, dois anos mais tarde, Joana de Flandres garantiu-lhe uma bolsa do governo brasileiro para estudar na Itália. Após ter algumas pequenas peças apresentadas em Milão, aos 29, viu triunfar Il Guarany no La Scala. Alcançou renome internacional e compôs, nos anos seguintes, Fosca e Salvator Rosa. Durante toda a vida escreveu canções e modinhas, mas foi sobretudo um compositor operístico. É autor, ainda, de Maria Tudor, Lo Schiavo, Condor e do oratório Colombo. De volta ao Brasil, aceitou do governo republicano o cargo de Diretor do Conservatório de Belém, onde faleceu meses depois.

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Wagner Polistchuk regente
Orquestra de Cordas (formação com músicos da Osesp)
Gravada em março de 2009 na Sala São Paulo.

Foto: Desirée Furoni

Em 1943, Guarnieri admirava-se com a importância que o músico tinha nos EUA, comparado a um “médico do espírito”, provedor da “higiene espiritual” e livre das “mesquinhas preocupações de ordem financeira” para se “entregar ao estudo e desenvolver suas faculdades”. Lá, as iniciativas “grandiosas” não vinham do governo, mas de milionários que, “sem medo do inferno”, davam seu dinheiro para a fundação de conservatórios, em vez de comprar indulgências. E não havia cidade que não possuísse uma ou mais orquestras, sempre orgulho da população. Como aconteceu na Europa do século XVIII, quando comerciantes de Leipzig fundaram a Orquestra da Gewandhaus —Orquestra da Casa de Tecidos—, regida por Mendelssohn, Schumann, Brahms e tantos outros.   Enfim, a ligação do norte-americano, e antes do europeu, com a tradição da música de concerto é visceral. Se pensarmos que Mozart só se tornou conhecido no Brasil a partir da abertura dos portos de 1808, época em que também se deu início ao ensino médico no Rio de Janeiro e na Bahia (uma vergonha diante da Universidade do México, fundada em 1551…), não dá para comparar com a supérflua relação que temos com este “fenômeno de transplantação” que é a música clássica, nas palavras de Mário de Andrade. Aqui, a “elite musical” ainda é a MPB e uma Orquestra da Casa do Boi de Araçatuba é impensável, apesar de nosso primeiro samba ser sinfônico…

Guarnieri conviveu com Copland, Bernstein, William Schumann e teve momentos gloriosos frente a prestigiadas orquestras norte-americanas. Gilberto Mendes lembra com tristeza não termos documentos gravados de suas entrevistas para TV. Essas miniaturas são originais para piano. O termo Ponteio, fixado por Guarnieri, denomina um jeito brasileiro de preludiar, improvisar, testar o instrumento para chamar a atenção do público, como faz até hoje o tocador sertanejo de viola. Ao todo são dois cadernos de cinquenta peças feitas entre 1931 e 1959. Os ponteios 33 e 46 revelam a tristeza e a melancolia do sertanejo e o 48, a habilidade no manejo da polifonia, sem perder carga emotiva (segundo a pianista Belkiss Carneiro de Mendonça). A Toada triste é uma “suave melodia intensificada pela apojatura” e “expoente de um rubato interno frequentemente encontrado em obras brasileiras” (Francisco Curt Lange); e uma das melhores obras pianísticas de nossa música, segundo Andrade Muricy. Ponteio e Dança são dois movimentos contrastantes: um melódico, à maneira de uma modinha, e outro nordestino, rítmico, com harmonia baseada em terças. A famosa Dança brasileira, de 1928, já é um clássico do repertório nacional, gravado por Bernstein e pela Filarmônica de Nova York, entre outros. É um delicioso tema de notas rebatidas típicas, mas de sabor quase intelectual. Como diria Fructuoso Vianna, “só para quem sabe ouvir” é que se vê ali o toque brasileiro, quase transfigurado em pura e elegante abstração.

Marcos Câmara de Castro é professor de Regência e Canto Coral na USP de Ribeirão Preto (SP).

Veja o vídeo e saiba quais são os projetos socioambientais que apoiaremos em 2010. Eles foram escolhidos por edital e fazem parte do compromisso da Natura de reduzir e compensar as emissões de gases do efeito estufa em suas atividades.

Ouça o áudio e deixe o seu comentário.

Ouça o áudio e deixe o seu comentário. Envie dicas para aproveitarmos melhor o verão!

Ronaldo Miranda é um compositor voltado para o diálogo entre a tradição clássica ocidental, a música popular autêntica brasileira e eventuais experimentalismos que ele destila até que se aproximem de sua forte personalidade. Tributário de Henrique Morelenbaum na composição e de Dulce de Saules no piano, foi o primeiro crítico musical do Jornal do Brasil, entre 1974 e 1981. Em 1983, foi selecionado para participar dos cobiçados World Music Days, da Sociedade Internacional de Música Contemporânea - ISCM.

A “trajetória” —termo que lhe é caro— de Ronaldo Miranda começou nos anos 60, quando ganhou o I Prêmio na II Bienal, ouvindo pela primeira vez uma peça sua executada ‘com profissionalismo’ —só quem é compositor sabe o que isso significa… Não caberia enumerar aqui os tantos prêmios que recebeu e comissionamentos no Brasil e no Exterior. Há quem diga que não há uma semana sequer em que alguma obra sua não seja tocada nas principais salas do mundo, como na Queen Elizabeth Hall (Londres), Tonhalle (Suíça), Mozarteum (Salzburg), Teatro Cólon (Buenos Aires) ou Carnegie Hall (Nova York).

No início da década de 1990, Ronaldo Miranda cursou pós-graduação na Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo, onde hoje é professor. Deu aulas de composição da Escola de Música da Universidade Federal do Rio de Janeiro, foi vice-diretor do Instituto Nacional de Música da FUNARTE e diretor da Sala Cecília Meireles.

Sua escrita é de ritmo vivo nos movimentos rápidos, sincopados, lembrando nossas tradições populares, sem deixar de lado saborosas assimetrias. Ele faz uso de sua vasta experiência de repertório e não se nega a utilizar recursos ousados quando a expressão exige. Nos movimentos lentos, as melodias são inspiradas e ele trabalha o contraponto com um cuidado especial para a técnica de cada instrumento. Já escreveu de tudo: ópera, solos, música de câmara, canções e belíssimas obras corais que fascinam grupos vocais do mundo inteiro: é memorável a realização de Cantares, para coro misto a cappella e soprano solista, onde o chorinho e a polifonia renascentista convivem lado a lado, numa síntese original.

Este Concertino mereceu importantes elogios de conceituados críticos mundo afora: “um atraente jogo de equilíbrio estimulante entre o piano solista e as cordas, como ensinam Mozart e Prokofiev, temperado por alegria e bom gosto”, como disse Zito Baptista, em 1993. Nesta peça há um melodismo cativante e, no allegretto, um tema de ‘contornos suaves’ é tratado com síncopas, que o tornam extremamente agradável. Uma de suas mais populares composições, o Concertino possui uma harmonia ‘neo-tonal’ —procedimento, aliás, que Ronaldo dificilmente abandona; a não ser quando lida com temas típicos brasileiros e aproveita o modalismo inerente às nossas canções.

André Mehmari é um jovem talento que já conquistou uma reputação sólida tanto na área erudita —ele foi vencedor do Concurso Nacional de Composição Camargo Guarnieri—, quanto na popular, em que venceu os Prêmios Visa e Nascente-USP. Nasceu em Niterói, mas cresceu em Ribeirão Preto, onde recebeu as primeiras lições de música de sua mãe.

A carreira de Mehmari divide-se hoje entre as atividades de pianista, arranjador e compositor. Recentemente, gravou os CDs Lachrimae, em que apresenta composições próprias e arranjos de clássicos da música popular brasileira, e Piano e Voz, em parceria com a cantora Ná Ozzetti.

A Suíte de Danças reais e imaginárias foi encomendada pela Osesp para o Concurso Internacional de Regência de 2006 e tem na atual ocasião a primeira apresentação mundial em concerto.  

A obra é inspirada no tema de Fairy Queen, do compositor barroco inglês Henry Purcell, exposto no prelúdio. As danças que se seguem criam contrastes e diálogos com o tema. Sillywalking, inspirado num quadro homônimo do Monty Python’s Flying Circus. Giga valsa, como o próprio nome diz, é uma mistura de giga e valsa —segundo o compositor o apito utilizado na orquestração representa uma denúncia dos eventos da crise do ‘mensalão’. Maracastrava faz uma ponte entre as síncopas stravinskianas e as do maracatu pernambucano. Espera, trégua e catala são nomes de danças imaginárias, inspiradas no universo fantástico dos ‘cronópios e famas’ do escritor argentino Julio Cortázar. A pavana é uma variação livre sobre o tema de Purcell que nos faz retornar ao início da Suíte.

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− scherzo: vivacissimo
− lento - finale: allegro moderato

Frank Shipway regente
Osesp
Gravada ao vivo em novembro de 2009 na Sala São Paulo

A Sinfonia nº 2 em Ré maior, Op.43, de 1901-2, é uma obra romântica, heróica, profundamente finlandesa. Esbanja opulência e melodia, lembrando às vezes a Sinfonia nº 2 de Rachmaninov. Do ponto de vista formal, Sibelius emprega, pela primeira vez, a técnica construtiva do crescimento temático, que se transformaria em sua chancela conceitual.

Consiste numa inversão tradicional da forma-sonata, por meio do crescente desenvolvimento de grandes linhas melódicas a partir do encadeamento de células elementares discordantes. O compositor trabalha com temas e motivos impressionistas, ritmos arrebatadores e um enfático tônus orquestral. Desde o primeiro movimento, em vez do rígido dualismo temático, flui uma torrente de ideias musicais.  

Segue assim, ostinati em círculos, até o finale cambiante entre o estertor épico (percussivo e metálico) e a densidade melódica das cordas.

Críticos como o americano Olin Downes e o alemão Harry Halbreich avaliam que esse processo constituiu uma novidade na estrutura das sinfonias (geralmente elaboradas conforme o dualismo temático do mestre Beethoven).

Marino Maradei Jr. é jornalista, radialista e docente da Faculdade de Comunicação da FAAP.

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Assim, trazemos de volta, em edição limitada, produtos clássicos que marcaram nossa trajetória: os desodorantes colônia Intuição, Shiraz e Ares de Shiraz, o Sabonete Líquido Natura Bothânica, que faz do banho um momento ainda mais relaxante, e também a linha Natura Vegetal de Brilho para os cuidados com os cabelos.

Nesse áudio, fomos atrás de saber das experiências que as pessoas tiveram com esses produtos. Vamos ouvir o que três delas viveram com o Intuição, o Shiraz e a linha Bothânica.

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Sérgio Leitão, diretor do Greenpeace, nos ajuda a entender melhor a idéia da Pegada Ecológica. Ouça a entrevista e conte para nós o que você faz para diminuir o impacto de suas ações.

Quer saber qual é a sua pegada ecológica? Acesse www.wwf.org.br/wwf_brasil/pegada_ecologica/

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Segundo Luciana Villanova, gerente de Desenvolvimento de Produtos da Natura, é possível ver e sentir os resultados na primeira aplicação. “É um tratamento intensivo e de longo prazo, devido à alta concentração de Elastinol +R”, explica.

A embalagem diferenciada, em vidro com uma leve ondulação, facilita a aplicação em sistema de válvula. Por ser mais fluído, o Sérum possui um sensorial leve e rápida absorção. Deve ser aplicado antes do antissinais de sua preferência. O resultado é uma pele macia e com linhas finas e rugas amenizadas.

Acompanhe o vídeo e saiba mais sobre o novo Chronos Sérum Politensor.

Esses fatores externos interferem diretamente na cor, no brilho e na maciez, deixando os fios ressecados. Mas há alguns cuidados que podem evitar um fim de verão com cabelos prejudicados e sem vida.

Para tratar os cabelos nesta fase, Marinelza Santos, Consultora Natura cabeleireira, indica utilizar o Creme Natura Plant antes ou durante a exposição ao sol, para protegê-los contra os raios UV, mantendo assim a maciez e a força dos cabelos.

Outra recomendação é utilizar a máscara pós-sol, durante 3 minutos, para recuperar os fios danificados. “O cuidados de prevenção são tão importantes quanto o processo de reparação dos cabelos”, comenta a cabeleireira.

Tudo isso você confere no vídeo do Espaço Cabelos. Conheça também os mitos e verdades sobre o assunto, com Federico Kladt, gerente de Desenvolvimento de Produtos para Cabelos da Natura.

Foi há cerca de dois anos, quando soube que a Natura, na época, não estava apresentando o desempenho desejado, que a Consultora Natura Patrícia teve uma ideia: agradecer. As consultoras teriam um dia em que não sairiam para vender, mas para dizer “obrigado” a seus clientes. Essa ideia foi amadurecendo e tornou-se o tema dos 40 anos da Natura.

Ouça aqui trechos da entrevista com a Patrícia.

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Anette Naiman na net:
www.teatrodagaragem.com.br
Espetáculo Ponto Com:
www.pecateatralpontocom.wordpress.com

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